山下紘加 Hiroka Yamashita | 她在万物有灵的世界里，寻找心灵的归宿

山下紘加

Hiroka Yamashita

1991年生于日本兵库县，生活工作于冈山。她在2017年获得纽约视觉艺术学院艺术学士学位，在2019年获得罗格斯大学梅森·格罗斯艺术学院艺术硕士学位。

ウズメ

亚麻布面油画
227.6 x 145.4 cm

2024

“我对东亚书法非常感兴趣——我认为你可以通过墨色的不同层次和笔触的运动来表达事物的本质。对我来说，较小的画作提供了一个应用这些技巧的机会。”

——山下紘加

山下紘加个展现场 Sies + Höke’s 空间 Caprii 2024

山下紘加生活工作于日本冈山。她在前身是一家诊所的工作室中发展其绘画实践，以有泛灵论倾向的方式结合日常生活情境与心灵图景，探索自然世界的精神性维度。她多年来创作的许多画作均带有柔和的超现实姿态：以《场（峠）》（2022）为例，这幅作品中的人类形象扶摇上升，在森林上空盘旋，拥抱彼此。在作画时，山下在画布上挥斥颜料，让人物及自然形态逐渐显现；她继而在此过程中对画面做出调整，用颜料覆盖某个形象，或将某个形象转变为截然不同的物，但也常留下原初笔记的清晰印迹。通过直觉式地在画面上累积色彩及形状，山下的绘画实践揭示了异质、突发性的构图逻辑，催生了一幅又一幅结构暧昧、不断演变的画面。

场（峠）

亚麻布面油画
130 x 162 cm

2022

手上雪

亚麻布面油画

33 × 45.5 cm

2022

山下也指出，尽管其画中场景看起来是梦境一般的，这些画面事实上是忠实于其目之所及的现实的。无论是扁平、迅疾又代表了缓慢时间的《手上雪》（2022），还是意欲将人吸纳至画面内部的螺旋状《场（身体）》（2022），对于艺术家来说，其中的颜色和形式都是真实的。她也指出，此种真实性与其对包括「场」在内的物理基本概念的兴趣有关：在场之中，视觉所触碰的事物并不是真实性的全部内涵。

场（身体）

亚麻布面油画
116.5 x 72.5 cm

2022

场（蓝与绿）

亚麻布面油画
33 x 24 cm

2022

山下常绘制人类形象，这些人物如皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）笔下的一样不带有鲜明的表情；然而，与此同时，她深深感兴趣于发展高度抽象、无明确人物形象的画面，将再现形式与抽象形式合而为一。包括《场（蓝与绿）》（2022）及《场（面II）》（2022）在内的近期画作展现了这一点：这些小尺幅画作均描绘了辽阔、延展的风景，完全独立于人类存在，也不带有叙事结构。神秘而富有魅惑力的《力（两端）》（2022）及《穴》（2022）以同样的方式拒绝澄清画作中的形象主体，坦荡地将解读的权利留给观者。

亚麻布面油画
33 x 24 cm

2022

另一方面，作为一名曾接受严格日本书法训练的艺术家，山下也积极地检视传统日本艺术及文学的当代重要性。她多次谈起松尾芭蕉（1644-1694）的俳句（尤其是这位文豪的名作《奥之细道》），以及日本历史上伟大画家长谷川等伯（1539-1610）的作品。山下宽广的近期画作《场（柿树枝丫）》（2022）便是模拟了传统日本绘画的卷轴形态，她也在此飘逸的画面中引用了古典绘画大师的多个经典元素。稀落构图的核心是一棵柿子树——这植物的现实来源就是山下在自家花园中种下的柿子树——这柿子树像是一面屏风，分隔了近处的孤立人物，以及远处逼近的群体。山下在将独特的梦幻视角与对人类命运的反思相结合，呈现怡然又诡谲的画面。

场（柿树枝丫）

亚麻布面油画
97 x 291 cm

2022

专访山下紘加

Q：为了在德国的Caprii空间举办的展览，你创作了一系列相对较小的自然题材绘画。你如何构思这次展览的？

A：我在洛杉矶的 BLUM 画廊举办了一场展览，展览于八月底结束。为了这次展览，我创作了七幅大型画作，这些画作以日本神话场景和我对日本传统表演艺术——神乐的研究为起点。但同时，我也一直在创作一些较小的画作，这些较小的画作所给予的即兴创作似乎造就了一种不同的、更私密的主题。我认为这种风格更适合在 Caprii 空间的展览。我对东亚书法非常感兴趣——我认为你可以通过墨色的不同层次和笔触的运动来表达事物的本质。对我来说，较小的画作提供了一个应用这些技巧的机会。这更像是绘画，但往往在开始时没有具体的计划；我只是从一笔开始，使用简单的色彩方案。例如，在作品《种子头》中，有些部分画得非常快、非常激烈，而另一些部分则模糊、更淡。画作内部的这些差异可以创造出比例变化和时间放慢的有趣体验。

种子头

亚麻布面油画

2024

Q：你是如何为这次展览选择主题的？

A：这组作品的部分灵感来自于赫尔曼·黑塞（Hermann Hesse）。我在日本的一家旧书店找到了他的《园圃之乐》（Freude am Garten）一书，后来在德国康斯坦茨湖的艺术驻留期间，我参观了他的故居和花园，那里对公众开放。那是一个美丽的地方。我也喜欢园艺，自己种蔬菜。当我看着这些画时，我觉得自己仿佛又回到了花园里，观察昆虫和植物。为了这次展览，我希望每幅画都专注于一个单一的对象。这是我从未尝试过的事情，只是第一次尝试。主题不一定必须美丽，重要的是它能以某种方式产生共鸣。而且，画作往往并不真正始于选择特定的植物或动物。例如，在作品《茑》《捕食》中，我从最喜欢的颜色开始，或者只是些抽象的笔触，从那里自然地出现了一个形状，让我想起了日常生活中的某些事物。

亚麻布面油画

32 x 41cm

2024

捕食

亚麻布面油画

31.5 x 41cm

2024

Q：把“园圃之乐”作为展览的名字也挺好的！虽然你的花园里并不全是欢乐……在名为《Stolen Potatoes》（偷土豆）的画中，你用大尺寸描绘了一个既戏剧化又相当平凡的主题。感觉里面好像藏着一个故事。

A：是的，有一天早上我醒来发现一只动物挖开了我的土豆地——土豆散落一地，一片狼藉。我拍了一张照片，开始作画。后来比例发生了变化：我在底部加上了稻田，画面变得更大，背景中出现了山脉。虽然不是很清楚，但我感觉有些部分像是偷走土豆的动物——一个黑色的东西，有长长的爪子，张着大嘴。在某个时刻，这幅画作脱离了那样的体验，进入了记忆或想象的领域。我加上了一些我童年时期熟悉或从其他画作中看到的形状或风景。另一个例子是那只乌龟的画作。虽然我确实经常看到许多乌龟在我住的地方拼命穿过马路，以免被车撞到，但我画它的原因更多是源于童年的记忆。我会用桶捉住乌龟以便好好观察它，但几个小时后，它总是会逃走。

偷土豆

亚麻布面油画

2024

亚麻布面油画

2024

Q：是的，这很好地展示了记忆和想象在你作品中的模糊界限，与日常的即时体验混合在一起。这种做法既允许个人叙事，也允许宏大叙事同时存在。你在绘画中是如何融入传统绘画传统和神话的？

A：我喜欢做研究，但画作从不真正关乎展示“真实历史”，而是关于我们如何解读流传下来的故事。我在画中加入的信息量非常小心——虽然我的画作从不那么具象。但有时我会只使用某些颜色，并知道这些颜色与中日思想中的五行有关，每种颜色都有其含义，这就已经足够了。我认为我们与我们来自的地方、我们的祖先以及他们曾经的生活方式之间存在着某种联系。即使我们不了解他们所关联的具体神话，我认为他们的一些东西也会通过直觉传递给我们，比如通过颜色或某种情绪。

户外小睡

亚麻布面油画

2024

Q：我喜欢那个想法，因为它意味着你可以选择任何话题——即使是花园里的土豆，无论多么微小——它都会包含一些过去的信息。

A：是的，尽管我为这次展览画了一些非常简单的主题，但其中仍然充满了我家和我成长的村庄的历史。我真的很享受住在乡下，与邻里的人保持联系——对我来说，这对我来说是创作的重要方面。住在靠近自然的小地方并不像城市里的人想象的那样悠闲。这里有很多需要处理的事情，有很多在艰苦条件下进行的辛苦工作。越来越多的艺术家住在乡下，这也部分激发了我对日本神话的兴趣，因为神话经常涉及我们与季节、动物和植物的关系。我希望观众能在我的作品中找到这两种尺度之间的联系：日常生活，我在花园里做的手工劳动，以及神话，它追溯到时间的深处，超越个人的经验。