引言：
在传统社会的审美演变过程中，主流风格在不断变化。
隋唐时期之前，中国人的审美主要以朴素淡雅的风格为主，在绘画艺术当中有着显著地体现。
而在隋唐时期，甚至从更早的魏晋南北朝之后，华丽的绘画风格便逐渐传入中原，影响着中原地区的绘画艺术表达方式。
在文化融合的大背景之下，唐代的中原和西域绘画发生了碰撞与融合，朴素淡雅的风格与华丽多彩的风格，在同一时期的艺术作品当中有着共同的呈现。
以绘画为例，西域的石窟画和壁画，让从未接触过这一领域的中原人眼前一亮，这就是文化交融带来的成果。
唐朝时期的文化交流有着怎样的特点？绘画风格的融合又带来了什么样的审美转变？
时代开放，日渐包容
封建主义的农业社会，毫无疑问是一个闭塞的社会，整个封建发展阶段，以大河文明为典型特征的中国，都没能做到完全的对外开放。
如果纵向对比几个不同的朝代，我们能发现，或许只有唐朝是中国对外开放程度最高的时代。
唐朝的统治者有着一颗包容天下的心，他能够以欣赏的眼光看待其他地区的文化发展成果，能够推动贸易过程中的文化交流。
尤其是针对西域，他把丝绸之路的影响发挥到了极致。
唐高祖李渊，此人在历史当中的存在感并没有他的儿子和孙子那么高，不过作为唐朝的开国皇帝，他也绝对不可能是大多数人刻板印象当中的庸庸碌碌之辈。
可以说，李渊的执政风格，为整个唐朝的对外开放奠定了基础。
李渊认为，如果国家在闭塞的环境当中止步不前，不管当前的综合国力有多么强大，未来都必然会走向衰落。
国家不可以没有新鲜血液的注入，更不能闭着眼睛拒绝与世界的接洽。
他在位期间，已经开始通过发布支持性政策的方式，推动丝绸之路的海外贸易，推动东南沿海地区的海上运输通道建设。
在他的影响之下，李世民等人也认识到对外开放的重要性，所以在大唐的鼎盛时期，我们的国门一直都对外敞开。
以日本为代表的前来学习先进发展成果的民族，我们十分欢迎，甚至能够慷慨地将我们的发展历程作出展示，绝没有藏私。
正是由于大唐的开放，日本才能将文字、茶道、建筑、服饰和绘画等诸多方面的文化表达带回本国。
今时今日我们所看到的日式风格，很大一部分曾经受到过唐朝文化的影响。
除了统治者个人的内心转变之外，唐朝皇室的血统，也推动了执政风格的转变。
众所周知，李唐皇室并不是单纯的中原人，他们的身体里流淌着鲜卑族的血液。
这是一个在马背上驰骋的少数民族，而且是一个极其擅长学习与经验交流的民族。
单单是从北魏孝文帝的改革中，我们便能看出鲜卑族人骨子里先进的意识。
在唐朝，鲜卑族的血统也让统治者不再执着于传统的封建伦理制度的影响，而是能够以更加开放和包容的眼光来治理社会，看待世界。
面对位于西域的众多少数民族，他们不再抱有一颗高高在上的心，因为他们本身也是少数民族的后代，所以才能够设身处地地正视少数民族文化的绚烂多彩。
如果没有这一层血统关系，或许唐朝的统治阶级会像以前的汉人统治者一样，全然地排斥少数民族文化的影响，保持汉族文化的先进性。
这样一来，文化交流便失去了所有可能，文化交融的结果也绝无可能再发生。
另外值得一提的是，从西域传回来的众多璀璨的文明成果，也确实让唐朝统治者看到了文化多元性的魅力。
以绘画作品为例，西域的绘画表达风格，和我们中原地区完全不同。
在传统的艺术传承脉络当中，中国人一向将文化的内敛朴素注入到艺术作品里。
我们的绘画风格通常以清新淡雅为主，构图并不复杂，画面也并不繁复，还会注意在画面上的留白与结构。
清新淡雅的风格，往往能够让饱受生活摧残的民众感受到舒心，简约却并不简单，朴素但并不普通，这就是传统绘画艺术的魅力。
虽然这种风格受到了许多人的追捧，可是人们会出现审美疲劳，这是无法改变的事实。
当人们接受同质化的审美作品时，思想意识偶尔会由最初的欣赏变得平常，最终可能会发展为厌倦。审美疲劳，一定又会带动艺术手法的创新。
可是该怎么创新，往哪个方向创新，风格上需要做出怎样的转变，许多艺术从业者却没有一个清晰的想法。
直到看到西域绘画，看到绚丽多彩的表达，看到华丽的风格，他们才被激发出了新的灵感。
这就是艺术风格碰撞的魅力，往深层次说，这也是民族文化交流和文化交融的魅力。
艺术家都喜欢追求新鲜感，而西域绘画正好给了他们新鲜的刺激。
他们发现，原来色彩可以如此斑斓的方式呈现在画作当中，原来线条可以勾勒出无法想象的形状，原来就算没有留白，画作不会给人的视觉带来太多负担。
有了这一层影响因素，中原画家的表达方式便逐渐发生转变，华丽的审美方式，也逐渐取代朴素的审美追求，成为了社会主流。
西域绘画，主要特征
谈到西域地区的绘画艺术表现特征，就不得不提到西北部的代表作品，克孜尔石窟。
它不像我国的其他石窟，天然地具有石雕的优越条件，可以直接通过雕刻的方式在石壁上作画。
这里的石窟，石头质地较为坚硬，雕刻起来极为艰难，还很有可能对原本的石质造成破坏。
所以当地的艺术家没有选择石雕的方式来进行艺术创作，而是直接在石壁上作画。
石窟当中的绘画，也呈现出了绘画显著的风格，华丽大气，丰富多彩。
对色彩的运用，当地艺术家可谓做到了炉火纯青。
通过色彩来展现画面的立体感，通过色彩的不同层次来展现画面的深度，通过色彩的明亮或者晦暗来展现画作的主要情感表达，这都是色彩运用的极致。
一片相对平整的石壁上，画家也能够用色彩的搭配来突出凹凸不平的感觉，这就是石窟绘画当中特有的凹凸法。
如果无法完全理解，我们可以联想一下现代美妆手法当中的阴影使用。
当一个人的鼻子不太挺拔时，或者下颌轮廓不太明显时，他通常会通过阴影的方式来重点强调这一部位的层次感，让人从视觉上感受到面部的立体结构。
如果把脸比作一张画纸，这样的手法正是绘画当中的凹凸手法的运用。
石窟作画同样如此，在画出一个宗教人物时，画家常常会需要在他的双脚处多费些功夫，让他有种破壁而出的氛围。
这时候，画家便需要采用相对较暗的色彩，在他的双脚处多做些阴影式的沉淀，明亮和灰暗的色彩一对比，画家的意图便自然能表现出来。
在描绘宗教人物的肌肉起伏时，凹凸法也能起到重要的作用。
肌肉的线条走向，可以简单地用颜色较浅的笔触予以勾勒，肌肉的集中处，则可以使用较深的颜色。
身体的中间部分，他们往往会采用留白的方式。
但他们的留白和我们的画面留白并不相同，他们是想通过空白的色彩来营造与其他色彩的对比度，从而展现肌肉的鲜活性和生动性。
有了多重色彩的搭配，画面看起来栩栩如生，站在石窟外观赏，观众仿佛觉得真实的人物将要从石壁上走下来，走到我们的面前。
这就是绘画的最高境界，以假乱真，用多种色彩的组合来达到这一效果，也足以证明西域人在色彩运用方面的登峰造极。
除了凹凸法之外，线描也是他们使用的重要技法。
石窟当中的绘画与纸面上的绘画，本质上还是极为不同。
前者更有一种自然的野性美，虽然有些粗糙，但不失真实，不失大气，而后者则更加强调精致，甚至会强调1:1的还原。
如果说后者运用的线条是柔软温和的话，那么前者则更加粗犷，更加富有力度。
石壁上的起承转合，常常会出现在意想不到的地方。
如果手腕不加重力道，一处原本连续不断地描绘，就有可能突然断在某一个地方，破坏画面的整体和谐。
所以在勾勒线条时，除了线条结构的真实之外，画家还更加强调手腕用力，强调转折之处的精妙感。
黑色和白色这两种极致的颜色，在线描方法中也有完全不同的运用。
黑色较为沉着，而白色较为飘逸。黑色通常运用在大画面的勾勒当中，白色则通常会出现在小细节的工作当中。
看到克孜尔石窟，人们才能发现，原来色彩可以有如此奇妙的用法，原来华丽的画面内容，也能传达不同类别的情感。
所以当其传入中原之后，立即引起了一股审美热潮。
转换朴素，回归传统
如果说唐朝时期的绘画艺术是华丽与朴素交织的话，那么到了宋朝，绘画艺术的风格又渐渐转变为传统的风格，回归到了朴素淡雅的领域当中。
这与宋朝整体的社会审美，有着很大的关系。
宋朝人认为，文化需要通过含蓄的方式来表达，热烈奔放的极端往往不被人所接受。
无论是绘画艺术还是建筑艺术，又或者其他艺术种类，都需要尊重普世大众的价值观。
宋朝时期的文人画兴起，也让清新淡雅的艺术表现手法再次回归了大众视线。
文人画更加强调意境，有着深沉隽永的韵味。
或许只有简单的水墨勾勒，泼墨层次，才能传达这样的韵味，华丽的色彩，往往会让人更加注重视觉感受，而忽略了画面背后传达的内涵。
审美主流总是一时一变，中国传统艺术风格也处于不断地发展进化当中，这就是动态的艺术演变过程。
结语：
唐朝时期开放包容的社会环境，为西域文化的传入提供了肥沃的土壤。
西域绘画在色彩上浓烈地搭配，在线条上的粗细结合，在结构上的大气奔放，都让中原画家倍感惊艳。
他们也尝试着转变风格，最终促成了文化交融的局面。
参考资料：
《新唐书》
《中国古代绘画艺术》
