帕姆·伊芙琳 Pam Evelyn | 任由绘画自行生长

帕姆·伊芙琳

Pam Evelyn

1996年出生于英国，现生活工作在伦敦。帕姆·伊芙琳2019年本科毕业于伦敦大学斯莱德美术学院；2022年硕士毕业于伦敦皇家艺术学院。她于2019年荣获卡斯艺术奖，并曾于2022年在久负盛名的康沃尔Porthmeor工作室驻留创作。伊芙琳的绘画在破坏与解决、自由与控制、崩溃与复活之间的动态张力中，通过无数次的反复，增加并精简她的姿势。伊芙琳把她的绘画称为“准知觉生命”（quasi-sentient beings），她将自己定义为绘画的观看者而非创作者，任由绘画自行生长。2023年9月，佩斯画廊宣布代理帕姆·伊芙琳，这位27岁的新锐画家也成为了佩斯全球艺术家阵容中最年轻的一位。

大图画

布面油画
130 x 200 cm

2024

“我喜欢在一开始自我破坏，然后重新审视，本能地将它带到某个地方，不做任何计划。”

——帕姆·伊芙琳

工作室一角

帕姆·伊芙琳专访

Q：英国爵士评论家理查德·库克(Richard Cook, 1957-2007)曾经说过:“我认为写音乐是最难的事情之一。要想用一种既不充满陈词滥调，也不充满幻想的方式来描述一段音乐，是非常困难的。我想，如果我有什么建议可以提供的话，那就是一个简单的真理，那就是你必须认真倾听，并问自己发生了什么，为什么会这样。”库克提出的问题与你的绘画方法有共鸣吗?

A：是的。听着迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）或约翰·克特兰（John Coltrane）的即兴创作，让我更好地理解了不同的绘画形式和方法。它给了我一条路。有一种假设是，创作者总是知道他们在做什么，然而，尽管我在这个想法上投入了大量的时间，但与画布的关系总是不可知的，甚至是疏远的。不能描述某件事常常会让人感到虚弱，然而，当我听到约翰·科尔特兰(John Coltrane)的演讲时，我所有对需要解释或理由的焦虑都消失了。音乐中的娱乐和活力几乎是催眠的，拥有一种切割和发自内心的温柔，触及个人生活中共同的现实。这和我听平克·弗洛伊德(Pink Floyd)的《the Great Gig in the Sky》独奏时的感觉很相似。克莱尔·托里（Clare Torry）的独唱完全是即兴创作的。这是音乐中如此非凡的时刻，也许是最接近于“解释”绘画时有时经历的狂喜的时刻。

富饶

布面油画

360 cm × 240 cm

2022

暴雨

布面油画

321 × 300 cm 双拼画

321 x 150 cm 单张

2023

Q：你如何描述你的作品与语言的关系？

A：当你画了一段时间后，绘画行为本身就变成了自传。就我而言，我的触觉和手势中的紧张关系完全取决于我的环境，例如，取决于我一天的进展，或者取决于我所处的环境等。我不会对此做太多修改，我喜欢让生活影响事情。这是一个细致入微的过程，尤其是在我的作品中没有描绘或识别任何东西的时候。我着迷于是如何在绘画中发展自己的语言的——他标志性的浮动符号——尽管我不能准确地“翻译”它们，但我仍然觉得有能力“阅读”他的作品。虽然我的画中没有那么明显或明确的代码可以解读，但我确实有这种肌肉记忆，这是由重复产生的，重复的绘画活动，随着时间的推移，它赋予了我一种独特的个人语言，如触摸、感觉、语气等。最近我对嘴巴的思考很感兴趣:薄薄的皮肤包围着伟大的表情。声音的操纵。舌头是湿润的肌肉，在表达时具有巨大的柔情或暴力的潜力。我在嘴唇的肉质边缘感觉就像在画布的边缘感觉，一种盲目性，一种通过感觉发现的感觉。

辅助步骤

布面油画

250 x 200 cm

2021

Q:你最近在康沃尔的纽林驻留。这段经历对你的方法有什么影响?

A：我去康沃尔是为了逃离，与在自然中绘画的画家浪漫地“牵手”。我当时在一个叫斯坦霍普·福布斯的画家建造的工作室里创作，他把工作室设计得尽可能接近自然元素。我这样做是为了完全与世隔绝。令人惊讶的是，我发现了一个社区。在一池自然光中作画，视野开阔，改变了我的注意力和节奏。我喜欢认为我让事物保持足够的流动性，让地方感和我的环境渗透到绘画的笔迹中。画家们需要长时间与自己在一起，这段时间——尽管有时很孤独——挑战了我的能力。

看人生

布面油画

300 x 200 cm

2021

Q：在创作的过程中，你对潜在的观众有多在意?如果有的话，你对观众有怎样的引导？

A：两年来，我一直在父母的花园里画画，那里我唯一的观众就是我的猫。当时我是一名服务者，我的画因为克服了创作中漫长而乏味的轮班而感到充满活力。事后看来，这是我绘画中最重要的时刻。我渴望摆脱这种局面，这驱使我不知疲倦地仔细检查我正在做的创作。我提到这一点是因为在那段时间里，我没有时间考虑观众，仅仅因为他们不存在。我几乎没有空闲时间，所以我的时间只用于绘画，这是一种生存方式。观众的想法是对话中的一个新内容。我觉得没有必要引导。我总是改变对绘画的看法，所以我想观众也会改变。

夜潮

布面油画

250 x 200 cm

2020

Q：套用库克的话，一个理想的观众会不会“好好地、认真地看”你的作品，以便问自己作品中发生了什么，为什么？

A：我几乎可以看得太仔细，太长时间，害怕剪断那具象征意义的绳子，而离开一幅画。我认为这样的审视要求观众做出同样的承诺。这些画经常在画室里待上几个月，被修改和更换。因此，虽然创作中有冲动的一面，但我也有很长一段时间的主要活动是观察、计算、批评等。颜料的实际物质应用通常比花在寻找和思考上的时间要少得多。

冷铸造

布面油画

250 x 200 cm

2020

Q：我想不出有哪个艺术家在不首先进行具象或具象艺术的情况下就开始了抽象。你是这样的吗？

A：我的作品很早就被解读为抽象。我认为自己是一名风景画家，但这种风景可以更准确地描述为“心灵的风景”：从任何直接主题中移除的结果。“一掬尘土”（A Handful of Dust）展览包括了在纽林创作的画作和在伦敦创作的画作：这是两个完全不同的工作环境。《生育》是我在纽林期间创作的。我周围都是野生动物，我想把这种能量转化为能量。这更像是一种直接的转译，几乎是从自然中观察。当我回到伦敦时，这项创作变得更加内化，一种来自内心的回声。我喜欢这两种方法在展览中共存的动态。我对雅克·维永(Jacques Villon)或让·福特里尔（Jean Fautrier）这样的画家非常感兴趣，他们显然冒险地转向了抽象。与我不同的是，我很早就开始画抽象画，静物画是唯一的例外。我观察这些画家以及他们是如何进化的，并对他们做出的改变感到非常敏感。我认为绘画是一件勇敢的事情。对我来说，最困难的是，因为我的画没有预先计划或设计，所以可能会不可避免地失败。我的画几乎是从实现一种形式的失败尝试中累积的创伤。有时我觉得可能性太多了，我想把它们都画在一张画布上。我花了一段时间才放松下来，不再尝试指导绘画，现在我可以更自然地完成这件事了。对一幅画太熟悉了，你几乎看到了你想看的东西，而不是真正发生的事情。

暮雨

布面油画

180 x 150 cm

2020

Q：作为一名年轻的艺术家，在创作非具象艺术时，随着作品的发展，你对“风格”的意识有多强？或者换言之，你对“帕姆·伊芙琳”式的构成有多清楚？有可能描述这些特征吗？

A：我喜欢思考一种清晰，简单明了的表达，一种寻找核心的愿望。去掉任何伪装或技巧。我认为一种风格是真正致力于寻找的结果，但这不是目标或结局。耐心地意识到画中发生了什么，然后致力于解决问题并进一步推进。我认为在我自己的绘画中有很多可能性，也有越来越熟悉的绘画笔迹的证据。我认为这是重复和每天长时间绘画的逐渐结果，一种熟悉感出现了，这可能是不可避免的，但也是一个陷阱。当一种风格变成一种懒散的拐杖时，一幅画几乎会变得流畅。我在画室里从不自满，每一幅画都会提出新的问题。我的画作中有一种纠缠，使我无法如此明显地看到这些画作。我认为我之所以对风景画家如此感兴趣，是因为有证据表明，有一个表面上的主题，这种概念是先描绘，然后屈服和放弃，并允许绘画中断。在乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi）的风景画中，你可以看到灌木丛融化成一条松散的线条。我发现这比一幅真实的树画更直接地触及了我们与地方关系的本质。所以我想这就是我的画所在。

正在进行的创作

康沃尔郡纽林

2023

Q：当你看到自己三年前的作品时，你会看到什么或感觉到什么？你与早期画作的关系发生了变化吗？

A：我不太回头看，也没有怀旧的心态。我认为这对艺术家来说是一个更大的障碍，因为他们年纪越来越大，有更多的过去需要谈判。但考虑到这一点，当我回顾自己的画作时，更多的是关于它们在边界方面向我提出了什么，以及我如何突破它们。我早期的创作通常就像是与一个主题、一个基本原理进行斗争，然后找到信心来作画。还有一些自传的情况：我过去的很多创作都是在工作间隙完成的，当时我的经济状况不同，我在思考一管颜料当时代表什么。我坚持那些画的来源。不可能重现那些早期的环境或环境，但我认为这些画可能还有很多东西需要挖掘。在过去的5年里，我的生活方式为绘画做出了很多牺牲。我负担不起在伦敦生活和创作的费用，所以我在工作室外住了大约三年，偶尔会在酒店房间里住下来。这很艰难，但我也喜欢我可以在没有真正束缚的情况下随意地在伦敦辗转。

户外空间

布面油画

150 x 180 cm

2020

Q：我很好奇“经验”这个概念和你的过程有什么关系？关于这批作品的动力是如何被自身、相对近期的作品及其前人的作品所影响的？

A：我认为我的作品主要受相对近期的作品所影响，其中一个重要的方面是没有那么多包袱，主要是向前看，向前推进。对于一个27岁的人来说，我的生活压力很大，我在绘画中接受了这一点。我经常看那些英年早逝的画家。埃贡·席勒（Egon Schiele）在28岁时去世，这并不罕见，所以早期就有一种紧迫感。许多不同的事情增加了我的紧迫感。我一直把20多岁看作是一个全身心投入绘画的时段。